Entrevista de Beatriz Oggero para la Revista Arte de el diario El Pais de Montevideo

Juan Ojea un talento versátil e innovador

Juan Ojea nos muestra una personalidad entusiasta y siempre en búsqueda, y así lo manifestó hace unos años en una entrevista de la Revista Arte, cuando con Marta Meyer y Renato Imbroisi se constituyeron en el alma mater de las sucesivas TeNet.

 Tejedor, docente, investigador, curador de exposiciones, montajista, y organizador  de proyectos colectivos que involucran a colegas, su espíritu versátil y generoso lo lleva a constituirse en un verdadero referente,  para el  Arte textil de Brasil.

Argentino, y viviendo en Sao Paulo desde hace más de  35 años, Juan Ojea es indudablemente un ciudadano del mundo…

 Buenos Aires, Montevideo, y sus viajes por el Sur de Chile, Perú, Bolivia y Europa, lo encuentran desarrollando diversas manifestaciones, por lo general, dentro de lo textil.

De mi visita a su hermosa casa en la floresta de Sao Paulo, recuerdo su extensa biblioteca, y su gran interés por el arte.

 Cuando comenzó  tu interés por el arte?

Mi primera aproximación con el arte posiblemente haya sido con mi vecino, Paul Klausmann. Mis padres  tenían una casa  en una isla del delta del Parana, el Tigre. Paul, era un alemán que vivía allá todo el año, y salía con su bote a remo con caballete y valijita de óleos a pintar por los ríos, en el mejor estilo impresionista. Exponía una vez por año en la galería Van Riel, en Buenos Aires.

El me daba pomos de pintura y pequeñas telas, y me dio lo más importante en arte que es la observación.

Como empezó tu interés por los textiles?

Por el lado textil, mi inicio fue con la querida Ana Foos, importante y premiada tapicista argentina. Estamos hablando del año 1974 o 75. Ella me abrió el mundo mágico de los hilos, las fibras, las urdimbres...

En esa época el tapiz argentino se conocía a través de los nombres de  Joan Wall, Nora Correas, Gracia Cuttuli, Carola Segura,...

Fue Ana la que, aparte del telar de alto liso me presento el telar de lanzadera, por eso desde el inicio, tapiz y tejido siempre corrieron juntos.

Cuando estuve en el 2013 en Sao Paulo, participando de la Tenet, mis amigos me llevaron a la Pinacoteca, donde me impacto una obra de Leon Ferrari, el gran escultor argentino. Posteriormente, en casa de Juan, pude ojear un hermoso libro sobre este artista fascinante.

Me encanto escucharte hablar de tu relación con  Leon Ferrari...

 

Conocí a León Ferrari con 15 años, él era el padre de Ariel, primo de Alejandro Ferrari , mi amigo desde esa edad hasta hoy, ya que Alejandro  es mi vecino en la floresta y es el que soldaba todas sus esculturas de alambre.

En el 76, cuando vi que se venía, y daba para verlo como una tormenta, me dije, “esta película ya la vi, y no me gustó,” así que me vine a Brasil en febrero y el golpe fue en marzo.

Tuve más contacto con León a partir del periodo en que vino a vivir a São Paulo después que los militares desaparecieron a Ariel, que estaba clandestino y sin noticias, en el 77 o 78. (Más tarde se descubrió que lo había matado Astiz, y lo llevo al ESMA, esa fue la última noticia….el año pasado le pusieron la baldosa en Reconquista, fue una forma de hacer el entierro.)

 

Siempre lo admire por su postura combativa y de vanguardia.

Desde los viejos tiempos del Instituto Di Tella en Buenos Aires, toda su obra es maravillosa. Tuve el privilegio de montar "La civilización Occidental y Cristiana", en la 1a Bienal del Mercosur. Impactantes como tú dices, sus esculturas en alambre, sus incursiones por el Mail Art, el Xerox , la heliografía, en fin, León Ferrari  es un artista que dio amplia referencia a lo largo de la vida.

 

Tuve también el privilegio de participar con el de una exposición en 1979 en el MASP, “Mostra da Escultura Lúdica”, donde también había obra de Tomie Ohtake, recientemente fallecida. Fue ahí que León creó aquella primera escultura que producía sonidos, llamada "Birimbau" que pertenece  hoy al acervo de la Pinacoteca do Estado. Esta obra abrió una etapa en el trabajo de León, la serie de grabados y múltiplos de "Percanta" y diversas performances de músicos extrayendo  sonidos de sus esculturas.

 

Toda esta fase de obras de hilos de metal de León son totalmente textiles, son como urdiduras sin tejer... Entre sus premios esta el León de Oro de la Bienal de Venecia y haber sido excomulgado por el Papa Francisco…

 

Veo que a partir de tu llegada a Brasil, en el 76, fuiste muy activo, sobre todo como docente en los SESC…

 

Si, en 1976 Glaucia de Amaral creo en el SESC Vila Nova  talleres libres, estos eran cuatro: Tapices, Grabado en metal, Xilograbado y Batik. Y fue la primera experiencia de talleres de arte que tuvo el SESC…

Yo daba el taller de tapices

 

Años más tarde la propia Glaucia creó el SESC Pompeia, si, así nomas! Creó el concepto de la fábrica reciclada como centro cultural, y llamo a Lina Bo Bardi, maravillosa arquitecta con una importante trayectoria  entre las que se cuenta  el  icónico edificio del MASP, Museu de Arte de São Paulo, creado por su marido Pietro María Bardi  y el Museu de Arte Popular en Salvador de Bahia.

Glaucia precisaba alguien de porte, para convencer al SESC a no demoler la fábrica y si recuperarla, usando para esto el ejemplo de una fábrica también reciclada en California.

Así que, entre las dos fue construido el proyecto del Centro Cultural SESC Pompeia.

 

Vale decir que en esta fábrica en 1977, ya propiedad del SESC, creamos con Miguel Paladino la "Galería da Fabrica" que inauguramos con una exposición nuestra, de Tapices y Grabados. En la época hice una xilografía como logotipo para la galería, xilo que está en el libro "Ciudadela da Liberdade" Editado por la Fundación Lina Bo Bardi y reeditado por el SESC en conmemoración de sus 30 años. Esta galería funcionó hasta que empezaron las obras de restauración que culminaron en 1982, con su inauguración. 

 

El proyecto de Lina creó un maravilloso espacio para talleres, en los cuales di clase desde su inauguración hasta 1986. Este espacio no se limitaba a la enseñanza de las diferentes técnicas de las artes, sino a la integración de todas ellas, con proyectos colectivos, que hicieron historia como la "Odisea na Pompeia" que fue un curso de verano con 400 participantes utilizando todos los talleres  simultáneamente.

En realidad, ese fue el momento en que el SESC, que tenía su foco en los deportes, abrazó la cultura, siendo hoy uno de los grandes pívots de las artes.

 

Todo ese primer periodo fue de gran riqueza, toda la actividad era monitoreada por Lina, que acompañó todos los proyectos.

Nunca me olvido de una reunión de Lina presentando los talleres a los que trabajaríamos en ellos.

 

Aquel que  daría clases de danza le pregunta sorprendido "Doña Lina, las salas de danza tienen columnas en el medio!!" a lo que ella responde , con su acento italiano, "este edificio tiene la dinámica de la producción, era una fábrica, si sacamos las columnas el techo cae, así que pueden bailar alrededor de las columnas como si fueran una palmera!" Todos tuvieron que entender que el proceso creativo tendría caminos diferentes.

 

Un punto alto eran las exposiciones, que no tenían su foco en "el Arte erudito" que en su opinión tenía su espacio en "la Paulista" o sea el MASP, y sí exposiciones temáticas enfocadas en el arte popular, y su riqueza de manifestaciones en todo el Brasil.

Realmente Lina fue una referencia para todo el grupo que en el Pompeia gozó de la  convivencia  con su proximidad genial. 

 

Cuando me invitaste a tu hermosa casa en la floresta, con grandes ventanales por donde me sentía dentro del verde, me hablaste de Lina y de su Casa de Vidrio, que seguramente influyo en tu proyecto…

 

Si, la querida Lina… Me acuerdo de un almuerzo en su casa,  con todo el grupo de los que trabajábamos en los talleres de creatividad. La Casa de Vidrio en el medio de la floresta hasta hoy sobreviviente en Morumbi, me impresionó fuertemente. Era el mismo concepto del MASP, una caja suspendida por columnas con el techo y el piso de concreto y todas las paredes de vidrio, fluctuando en la floresta, con su acceso por una escalera.

Adentro, un acervo de dejarte sin respiración!! Y esta casa concepto había sido construida por Lina en el año en que yo naci, 1951, tremendo vanguardismo para la época.

 

Realmente uno de sus grandes legados fue dejar de lado el concepto europeo de producción artística y  revisar y descubrir la riqueza del "arte brasileiro" principalmente en sus manifestaciones populares.

 

Glaucia de Amaral, es artista textil y curadora, la invité  para participar de la Tenet, ella trabaja con wearable art . Actualmente vive en un sitio, produce palmitos, pero en cualquier momento nos sorprende con algún maravilloso proyecto.

 

Ahora me gustaría saber de tu vinculación con Norberto Nicola, el gran tapicista paulista…

 

Cierta vez en 1979 estaba montando mi obra “Convergencia” en el Museo de Arte Moderna de São Paulo, ya que esta había sido seleccionada para la 2ª Trienal de Tapicería, cuando aparece un señor, haciendo girar en el dedo una cadenita, giraba para un lado hasta enroscarse en el dedo y luego giraba para el otro. Después de observar, me dice “Yo la colgaría en diagonal, para realzar su volumen.” Le respondo, “si?” , y acto seguido agarra una escalera y dice “Vamos...”

De repente me encuentro subido en una escalera con Norberto Nicola. Este  fue  mi primer encuentro con él, totalmente representativo de su forma de ser, el hacer. Su preocupación era que cada participante de la Trienal fuera visto en su forma más plena, tratando de  extraer de cada obra lo mejor.

Fue ahí que conocí también a Eva Soban, que gano el segundo premio de la Trienal.

A partir de entonces, participamos con Eva de la  Segunda Directiva del CBTC, Centro Brasileiro da Tapeçaria Contemporánea, institución creada por Nicola, Jaques Douchez y Zoravia Bettiol en su Primera Directiva.

Así fue que Nicola me invito a organizar junto con Eva la 3ª Trienal. Fue realmente una experiencia inigualable, porque aparte de la cuestión estética fue un aprendizaje de la cuestión política, la relación con  la Dirección del MAM, con los patrocinadores, en fin, un mundo en el que Nicola se movía con una gran desenvoltura, una gran experiencia.

En la Trienal participamos con Eva en estatuto Fuera de Concurso, pues formamos parte del jurado de selección y premiación, junto con Odeto Gersoni , grabador y Nicolas Vlavianos, escultor y Sema Petragnani representando el Museo.

Recuerdo una exposición fantástica de Arte Plumario que se exhibió en los 80 en la Bienal de Sao Paulo, y de la que Ernesto Aroztegui no dejaba de hablar… y ahora me entero que participaste en la organización y el montaje…

Si, tiempo más tarde Norberto me propuso trabajar en un proyecto sobre Arte Plumaria, también en el Museo de Arte Moderna, ocupando todas las alas.

Esta reunía colecciones de 4 museos y colecciones particulares, el museo por primera vez fue todo pintado de Negro y cada artefacto estaba suspendido en el aire sea por alambre que sube o hilo de nailon que baja en la posición en que iba en El cuerpo, era como si El cuerpo hubiera desaparecido y quedaba el artefacto volando, idea muy pertinente, pues de plumas de pájaros estamos hablando.

Aquí entra a tallar una cuestión interesante, el montaje artístico y la relación con los curadores de los museos, las diferentes formas de abordaje.

Un antropólogo, a pesar de científico humano, es un científico, y el indio es su objeto de investigación. Un artista ve al indio como un artista, colega, con su producción artística. Esta diferencia es importantísima en la curaduría. A algunos antropólogos les gustaría por ejemplo hacer un rinconcito de arena donde colocarían un hacha de piedra, en el mejor estilo oso polar en el zoológico en un cemento pintado de Blanco simulando su habitat. Este es el principal dilema curatorial, cómo conciliar el contenido científico con el contenido estético…

En fin, la exposición fue todo un éxito, recorrió el mundo y más tarde se expuso en una sala especial en la 17ª Bienal de São Paulo.

Tengo entendido que también creaste una manufactura de alfombras…

Si, después de mi actividad como docente en el  SESC  Pompeia cree la manufactura de alfombras Linha Cruzada. Entonces, surgió la invitación a hacer una exposición de utilitarios, cosa que ni Eva ni Norberto ni yo nunca habíamos hecho.

Esta manufactura funciono de 1985 a 1990 cuando se prendió la luz del "piloto automático" y decidí venderla e irme a vivir a Europa. Para mí, es cíclico, cada tanto, destruyo todo y empiezo de nuevo, Rs!

 

                                                                         La Obra

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

     Dice Rita Caurio, en su libro “A Arte textil no Brasil” (1985): “…Estrechamente ligado al lenguaje de los hilos y de las fibras, lo más notable de la obra de Juan Ojea, han sido sus “móviles textiles”, composiciones espaciales en estrechas redes terminadas por contrapesos, que juegan con elementos como la libre interferencia, juegos de luz, transparencia y superposición.

 Abierto, dinámico, innovador, el arte textil de Juan Ojea, al mismo tiempo que se depura, se aproxima cada vez más al público, renovando el milagro de la comunicación a través de otro nivel de contacto.”

Abertura 18 aventuras, laberinto sensorial textil, 1979, Mostra de escultura lúdica-MASP- Museu de Arte de Sao Paulo.

Esta obra es un laberinto sensorial creado en conjunto con Eva Soban. Está compuesta por fajas de tejido industrial tejidas como urdimbre sobre la estructura de los andamios.

A través de las diagonales era posible pasar de un cubículo al otro, y en cada uno de ellos había diferentes materiales textiles como lana, sisal, paja, seda.

 El recorrido no estaba predefinido, y cada cubículo tenía cuatro alternativas.

Uno de ellos no tenia techo, como una relación con nosotros.  En una de las fotografías se puede ver  a León Ferrari, artista también participante de la muestra, recorriendo las entrañas de la obra.

La idea era que en un lugar aislado, la sensibilidad a texturas y olor de los materiales se desenvuelve más libremente, entre otros motivos, por estar “escondida” del clima formal de un museo.

Esta exposición gano el Premio a la Mejor Mostra del Año para la Asociación de Críticos de Arte Paulistas.

Instalación  realizada en el Museu de Arte Moderna de Sao Paulo en la III Trienal de Tapicería.

Fajas suspendidas por contrapesos que proyectan sus formas en una urdimbre de monofilamento de polyester y termina la proyección en un tejido de papel vegetal y algodón. La composición generada por la proyección varía de acuerdo a la  interferencia del público.

Muro de luz, 1983, col. Particular

Muro de luz es "post curso de Aroztegui" fue tejida en alto lizo y tiene en el medio un tubo con un fluorescente dentro. Tiene en su frente un recorte por donde sale un "hilo de luz" y por arriba y abajo también escapa luz.

No te puedo explicar que significa, Rs! El tapiz tiene una parte con un pedazo de ladrillos hecho en alto pelo, y el fondo son interpenetraciones con chine. Las fotos las saque en una demolición, tampoco me preguntes porque! Rs! Ahora estoy preguntándome como lleve energía eléctrica a la demolición!!!jajaja!!!

 

 Esta obra la vendí a través de una galería en New york que trabajaba con arte latinoamericano. Me acuerdo porque fue en ella que vi por primera vez al vivo un tapiz de Olga de Amaral, aquellos con yeso sobre el tejido y hoja de oro.

No me acuerdo el nombre de la galería, quedaba en la 57 st. con la quinta.

Aproveche y vendí también como divisoria una parte de "Paisagem sem titulo", que era una instalación invendible, entonces canibalice una parte, 

 

Realidade e ponto de vista. 1983, Col. Particular

Realidade e ponto de vista está compuesta por cinco múltiplos. En su parte superior tiene tejido cóncavo, y en la parte inferior, en la que es convexa, tiene un espejo que completa la imagen generando túneles. Se crea de este modo un juego de imágenes reales y falsas, pero en realidad una no es no es falsa, y el otro lado da la verdadera.

La verdad tiene siempre dos lados.

Paisagem Urbana, 1984. Museo de Rio Grande do Sul, MARGS…

Esta fue una serie concebida a partir de papel fotográfico tejido.

Ahora junte los pedazos de historia!  En NY saque una foto de bolsas de arena en plástico rojo, en la calle. Con esas fotos hice las de las fotos tejidas (Paisaje Urbana l y II), que fueron para el Evento Textil de Porto Alegre, que fue en el MARGS en 1984. Creo, no encuentro el catalogo. 

No, Juan, fue en el 85, yo si tengo el catalogo…

Los de las bolsas que inspiraron el  Paisaje Urbano... están tejidos con papel fotográfico? (Recién entendí el titulo... )

Si, esas fueron las primeras experiencias de tejer papel fotográfico, probé con urdimbre y trama de papel, y también urdimbre de hilo y trama de papel.

Urdimbre y trama se mostraron un callejón sin salida, deformaban la imagen, por lo que  sentí que se quedaba en un efecto con pocos caminos expresivos a recorrer.

No salía de sí mismo.

Con urdimbre de hilo y trama de papel ya vi varias salidas, y una de ellas fue años más tarde, usar los envolventes, fotografiarlos, pasarlos a papel y después jugar en la hora de tejer contraponiendo las imágenes reales y fotográficas creando un juego con el espectador, de identificación de cada uno, como una conversación entre el objeto y su foto, que también es real, como tu imagen en el espejo, eres tu vista de otro ángulo, el ángulo en que los otros te ven.

 

De allí salieron varias series,  Branco sobre branco (la de la 1a tenet) Real e virtual, Laranja partida... Casi 20 años después de aquellas del MARGS  (Evento textil em Porto Alegre) retomo la fotografia tejida solo que ahora la imagen es de los propios envolventes, que se encuentran en el telar, envolventes y su imagen, jugando con las imágenes reales y “virtuales".

 

Vaca, 1984

En plena dictadura militar, el consulado de la República Argentina tuvo el descaro de invitar a algunos artistas argentinos residentes en Brasil para pintar una vaca (símbolo de la cultura argentina) para fines de beneficencia.

Al recibir la base de madera, la sorpresa fue que era un toro. La superficie fue cubierta con fotos de niños desaparecidos en dos tamaños, como retícula, formando una vaca holando.

Los testículos  fueron aserrados y colgados del pescuezo, como un signo.

La dictadura no fue aludida, pero la cara del Cónsul al recibir “la vaca” de vuelta, no tuvo precio!!!

 

 

Equilibrio. 2009 Escultura, madera maciza. Memorial de America Latina.

Libros realizados en madera maciza.

Sede. 2010 Cipo, piedra y agua.

Parte de la Instalación Florestas, en el Memorial de América Latina. Tres elementos.

Casulo. 2011 Memorial de America Latina.

Vigor visual.

Los tres trabajos presentados por Juan Ojea dialogan entre sí, no solo por las formas orgánicas, sino por los temas que interactúan con el material. La preocupación esencial es la de mantenerse siempre atento al poder inherente de cada soporte como forma de un denso entendimiento de aquello que pensamos es real.

Esa metáfora ayuda a conocer mejor la dimensión humana de sus esculturas, algo alcanzado mucho mas por lo que existe en ellas de visceral y autentico que por una postura meramente formal y más preocupada con el discurso que con la acción.

Efectos estéticos de los cipos, y su parentesco con los casulos gigantes, además de la denuncia de la falta de agua en el planeta, llevan a una reflexión sobre el papel del artista. Como cipo, un creador visual puede unir la floresta. Juan Ojea da, asi, a cada obra el vigor visual que pocos textos escritos pueden alcanzar.

Oscar D’Ambrosio, crítico y curador de la Mostra Florestas. Memorial de America Latina.

 

 

 

 

 

 

Grafismo, Tenet 2012

Serie Tecendo na agua. Hilo de coser, cera y agua.

Diseños producidos por el hilo de coser impermeabilizado con cera flotando en la superficie del agua, generando diversas composiciones graficas.

Como en la Tenet 2012 la propuesta era todo negro con 10 % de otro color, Grafismo 1 de la serie weaving on the water, era totalmente negro, considerando el vidrio y el agua como incolora aparte de considerarlos soporte.

El borde del vidrio daba un tono levemente verde... pero, está dentro del 10 % Rs!!

La idea surgió de estar en mi lago y ver hojas alargadas de Bambú cayendo sobre la superficie, y pensé, se teje solo!!!

Entonces use hilo de coser, que en portugués se llama linha, igual que la línea grafica.

Me encontré con que después de tres días los hilos se hundían, igual que las hojas, entonces los impermeabilicé con cera de abeja para que no se saturaran y flotaran durante todo el mes de la exposición.

 

Claro, para cumplir la regla, los hilos eran negros, como la cera, para sellarlos. Vidrio y agua no tienen color, aparte de ser soporte y el borde del vidrio verdecito daba el 10%,Rs!! Te mando anexo el dibujito para que veas como enceraba el hilo! La gente al principio no ponía el dedo para cambiar el dibujo, pero hubo hasta cartera en el agua , pensando que tenia vidrio encima, jajajaja!!

La idea original era eso grande en el piso y en la pared una foto gigante del grafismo, impreso. (Que da un dibujo parecido con algunos de Leon.!) Como es algo mutante pensé que las fotos darían una serie de grabados espontáneos.

 

 Esa solución me parece genial!!! Recién entendí lo de la Tenet 2012, fantástico!!!

 

 

Fio Conductor  32,30 x 0,80 x 0,60

Telar manual, costura, envolvente (wrapping)

Algodón, papel vegetal, papel fotográfico

El papel fotográfico lo volví a usar en la del fardo rojo y lo use mezclando con papel vegetal.

El hilo conductor es en literatura lo que da sentido a la historia, lo que junta lo de abajo con lo de arriba, lo del frente con lo de atrás, lo real con lo virtual. Este hilo, en la obra tiene una bifurcación de recorrido, inconexa, es lo que llamamos perder el hilo.

Claro que la alegoría o metáfora del fardo permite el nexo entre diferentes aspectos además de la forma, une momentos de la historia, el volumen y el plano,  el nacimiento y la muerte, da sentido a la vida.

Sigo sintiendo que es por ahí que debo seguir, a pesar de que a veces siento la necesidad de beber en la fuente y partir para la brutalidad grandiosa del sisal, en la maravillosa escuela de Magdalena Abakanowicz. Volver a la tapicería monumental. Claro, que deviene el planteo, qué hacer con una obra de 100 Kg ?

Convergencia 1979 -2a Trienal de Tapiceria -Museo de Arte Moderna São Paulo

Pásaro livre ferido -1977-Coleção Particular

Laberinto Sensorial -1979 - MASP Museu de Arte de São Paulo

Paisagem sem Titulo 1982 -Museu de Arte Moderna São Paulo

Leon Ferrari, tambien participante de la muestra